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El comienzo de la fotografía instantanea: Los daguerrotipos

El Daguerrotipo, un invento precursor de la moderna fotografía fue creado por Louis Daguerre en 1826. Los daguerrotipos eran un punto de encuentro entre la cámara oscura de León Baptista Alberti y retocada por Joseph-Nicéphore Niépce y la cámara de objetivo de José Petzval.

Este nuevo método supuso una revolución en el mundo de la información, permitió cubrir el seguimiento de la Guerra de Crimea y de la Guerra de Sucesión estadounidense.

Para conseguir la imagen se parte de una capa de nitrato de plata extendida sobre una de cobre. A partir de lo que se pone delante de la cámara, el positivo se plasma en el mercurio. Al final la imagen se fija tras sumergir la placa en un liquido formado por cloruro sódico o tiosulfato sódico.

A finales del 1840 aparecieron tres avances técnicos en los daguerrotipos: una lente  22 veces más brillante, un aumento de la sensibilidad de las placas ante la luz  y un enriquecimiento de los tonos.

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Fotografía de la fuente Cibeles

La fuente de Cibeles de Madrid formó parte de un proyecto llamado el Salón del Prado, fue diseñada por el arquitecto de Ventura Rodríguez. Fue construida por los escultores Francisco Gutiérrez Arribas y Roberto de Michel. El primero de ellos talló la figura de la diosa y el carro, mientras que el segundo talló los leones.

Fue inaugurada en 1782 y era utilizada para abastecer de agua a los ciudadanos. Fue en 1895 cuando la fuente fue trasladada a la plaza en la que actualmente se ubica, en ese momento dejo de ser utilizada para el abastecimiento de agua y se convirtió en un elemento decorativo

La fuente de Cibeles de Madrid formó parte de un proyecto llamado el Salón del Prado, fue diseñada por el arquitecto de Ventura Rodríguez. Fue construida por los escultores Francisco Gutiérrez Arribas y Roberto de Michel. El primero de ellos talló la figura de la diosa y el carro, mientras que el segundo talló los leones.

Fue inaugurada en 1782 y era utilizada para abastecer de agua a los ciudadanos. Fue en 1895 cuando la fuente fue trasladada a la plaza en la que actualmente se ubica, en ese momento dejo de ser utilizada para el abastecimiento de agua y se convirtió en un elemento decorativo

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Fotografías de animales fallecidos

En el s. XIX se tenía la costumbre de fotografiar a los seres queridos que habían fallecido con sus seres queridos vestidos de gala o sus objetos más queridos.
La fotografía mortuoria era mucho más común que incluso las de las bodas.

El fin de estas fotografías era dar la sensación de que el difunto dormía y solían tener un precio muy superior a los retratos corrientes. Aunque hoy en día nos pueda parecer esta costumbre macabra, hace unas cuantas generaciones levantaban ternura y eran encargadas con mucho cariño.

Esta curiosa costumbre de antaño a dejado mella en diferentes películas, como podemos comprobar en el filme Los Otros, en la que Nicole Kidman encuentra un álbum de difuntos en el que aparecían imágenes del descatalogado Sleeping Beauties.

Esta práctica se extinguió a los animales cuando estos eran muy queridos por la familia:

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Fotografía de Nadar

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A finales del siglo XIX aparece la fotografia y a partir de este invento se cuestionan temas sobre si la fotografia se podia introducir en el ámbito del arte como pertenece la pintura y la escultura a lo largo de milenios en la Historia.

Gaspard-Félix Tournachon, más conocido como Nadar, (6 de abril de 1820 – 21 de marzo de 1910), fue un fotógrafo, periodista, ilustrador y caricaturista francés.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1856 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Aquí podemos observar una caricatura del mismo Nadar que al mismo tiempo se eleva el valor de la fotografía en esta caricatura.

Al mismo tiempo, mientras se cuestionaba el tema de la fotografía en el ámbito artístico, también se planteaba esta nueva forma de representar la realidad desde el punto de vista científico y técnico.

En el origen de la fotografía en el siglo XIX, se usaba el daguerrotipo, una cámara en la que se introducía el papel que se necesitaba y al abrir esa cámara, se obtenía la fotografía, pero el daguerrotipo sólo tenía un uso, después ya no servía y se tenía que elaborar otro daguerrotipo. Más tarde surgió la fotografía estenopeica, en la que el proceso de obtención de fotografías es muy parecido pero se podía usar este tipo de cámara más veces que el daguerrotipo, que era más bien desechable. Más tarde, con el paso del tiempo surgió la fotografía analógica, pero ya nos iríamos del contexto histórico que tratamos.

Nadar y otros artistas del siglo XIX apoyaban el uso de la fotografía en el sentido artístico y como una nueva forma innovadora de representar la realidad. Además, gracias a la fotografía, otros pintores se apoyaron en este recurso para elaborar después sus pinturas y retratos. Así, la persona que posaba (si el artista en cuestión hacía posar a una persona para elaborar retratos) no tenía que estar esperando durante mucho tiempo, sino que posaba para la fotografía y el pintor usaba esa toma para luego pasarla al lienzo.

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Nadar, “Autorretrato”

Este es un autorretrato del propio Nadar.

A parte de realizar fotografías desde un globo aerostático (a él se le deben las primeras fotografías aéreas de la historia –realizadas en 1856-), también fotografió a Gustav Dore, Baudelaire, etc. De los que también mantuvo amistad con ellos y con otros pintores, escritores, etc.

Nadar organizo una exposición de pintura y fotografía en su estudio en la que se mostraron las obras de aquellos autores rechazados por las Academias de esa época.

A partir de esa exposición en el taller de Nadar, los artistas rechazados por la Academia y el gusto que imperaba en el ámbito artístico del siglo XIX, comenzaron a entablar amistades. Es aquí donde surge el origen de los movimientos artísticos contemporáneos, lo moderno, lo que resultaba rompedor en ese contexto y gracias a este hecho, surgieron las exposiciones en otras galerías de arte que ya no formaban parte de la Academia, donde los artistas “rechazados” podían darse a conocer como personas y también a dar a conocer sus trabajos.

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Les Contes de Perrault , diseños por Gustave Doré. Paris: J. Hetzel, 1867.

Gustav Doré es un pintor e ilustrador de finales del siglo XIX que mantuvo amistad con Nadar.

Este autor ha realizado una serie de grabados e ilustraciones que abarcaban temas relacionados con la religión, pero aquí cabe destacar que realizo una serie de grabados inspirados en las adaptaciones y recopilación de los cuentos que realizo Perrault. Las ilustraciones más conocidas de Gustav Dore son aquellas inspiradas en los cuentos de Caperucita Roja y El Gato con Botas.

Pero en esos momentos está cercano el origen del comic o de la historieta.

Estas ilustraciones que realizó Gustav Doré en las que ilustra algunos cuentos adaptados por Perrault como Caperucita Roja o el Gato con botas (aunque también ilustró algunos pasajes y secuencias de la Biblia) puede considerarse también, en su estilo y técnicas utilizadas en las que apenas predomina el color pero sí que abunda la rapidez en las líneas de sus trazos y el uso de la tinta sobre papel, etc. como un posible origen del cómic. En su producción predominan, por tanto, ilustraciones y grabados.

Además, Doré entabló amistad con el fotógrafo Nadar y con escritores como Baudelaire (así que podemos decir lo mismo de Nadar, que trató con Baudelaire y con  Gustav Doré).

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Fotografía mortuoria

Familia fotografiada con sus hijos fallecidos

Las fotos de personas muertas como recuerdo familiar, es una curiosa practica que fue muy común  entre quienes podían pagarlo  en el siglo XIX y que increíblemente hoy vuelve a realizarse.Se trata de fotografías de personas (la mayoría niños) muertos generalmente debido a enfermedades.
Ante la muerte de un ser querido la familia convocaba a un fotógrafo que realizaba las tomas con la escenografía habitual para fotografías a seres vivos. Es más, muchas veces se retrataban vivos y muertos en una típica foto familiar maquillando y arreglando los cadáveres a fin de obtener una imagen familiar normal. En la primera imagen, efectivamente aparece toda la familia, aunque se muestran también los ataudes, por lo que en este caso no se ha intentado disimular la muerte.
En la actualidad: existe en los Estados Unidos una organización llamada Now I Lay Me Down to Sleep que ofrece los servicios de fotógrafos voluntarios para realizar fotografías de fetos nonatos desde 25 semanas de gestación y niños fallecidos para que sus padres cuenten con un recuerdo gráfico de su corta existencia.
En la primera imagen, la familia aparece de luto junto a los dos fallecidos. De fonde se intuye una capilla o algún lugar religioso. También aparece una corona de flores con forma de cruz.
En la segunda foto, el cadáver aparece vestido de novia, se desconoce si porque murió ese mismo día, o bien para recodar para siempre su matrimonio.

Novia del S. XIX muerta

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Fotografía Edgar Allan Poe

Daguerrotipo de Edgar Allan Poe

Es la última y más fiel imagen que se tomó del escritor Edgar Allan Poe. Se trata de un daguerrotipo de 1848, menos de un año antes de su muerte.
El daguerrotipo fue un invento precursor de la fotografía moderna, y si bien en un comienzo tenía el inconveniente de que se tardaba de 60 a 90 segundos en tomar una fotografía, hacia la época en que fue tomada esta foto de Poe, los tiempos de exposición se habían reducido a unos 30 segundos.
En la imagen, se observa un plano medio de Poe con la mirada ausente y un gesto abstracto, a la vez que se aprecian marcadas ojeras, fruto del insomnio o de las noches de fiesta que pasaba. Además, si miramos con detalle la imagen, podemos apreciar como Poe tiene el ceño fruncido, gesto que combinado con su mirada ausente, transmite la sensación de que esté pensando en algún asunto importante. Sea como sea, la imagen transmite un personaje estrafalario a la vez que genial.
Viste con ropajes oscuros y un pañuelo anudado al cuello, lo que le otorga un aire bohemio. De fondo, sólo se observa un tono grisáceo uniforme, posiblemente del estudio donde se realizó la fotografía.

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Fotografía de la Torre Eiffel

La Torre Eiffel es el símbolo indiscutido de Paris, de Francia y hasta nos atrevemos a decir que de Europa. Es, seguramente, lo primero que viene a la mente cuando pensamos en París. Y es que esta torre, pensada y construida en los “años locos”, ganó poco a poco ese lugar privilegiado que hasta entonces sólo se disputaban el Arco de Triunfo, la Catedral Notre Dame y el Louvre.
La Torre Eiffel fue construida para la Exposición Universal de 1889 que se celebraría en conmemoración del centenario de la Revolución Francesa. Gustave Eiffel y su compañía fueron los emprendedores de semejante proyecto que comenzando en 1887 fue concluido en marzo de 1889, poco más de dos años después. La obra generó no pocas controversias, sobre todo entre los artistas de la época, que pensaban en la torre como en un “monstruo de hierro” en medio de la ciudad del romanticismo.


Si hablamos de características técnicas, la torre es una enorme estructura metálica que pesa unas10.000 toneladas y su altura, originalmente de 300 metros, es actualmente de 324 metros, incluida la antena de radio y televisión que fue añadida mucho después. Trabajaron en ella unos 200 obreros que unieron más de 18.000 piezas de hierro con 2 millones y medio de bulones. Los cimientos alcanzan los 30 metros de profundidad, debido a la proximidad con el río y la naturaleza del subsuelo.
Compuesta de tres niveles, se puede acceder a los dos primeros mediante escaleras (1665 escalones). De lo contrario se puede tomar el ascensor, que normalmente tiene largas colas de espera…
En el primer nivel, a 57 metros de altura, funcionan una oficina de correos, desde donde se pueden enviar postales con la estampilla especial “Paris Tour Eiffel”, el restaurante “Altitude 95″, una tienda de recuerdos, la sala de recepciones y conferencias “Gustave Eiffel”, elCineiffel, exposiciones con fotos de la torre, y por supuesto la galería desde la cual se pueden tomar fotos panorámicas de París.
El segundo nivel se encuentra a 115 metros del suelo y desde allí parte el ascensor que lleva al tercer nivel. Hay algunas tiendas de recuerdos, el restaurante Julio Verne y sobre todo, las panorámicas de la ciudad que son espectaculares.
A 276 metros, luego de subir 160 metros en el ascensor, se alcanza el tercer nivel, donde las vistas son absolutamente extraordinarias. En este nivel hay una recreación del lugar de trabajo de Gustave Eiffel, con figuras de cera de Eiffel y su hija Claire recibiendo al inventor Thomas Edison, así como de Gustave Eiffel y sus dos ingenieros, Maurice Koechlin y Emile Nouguier.
Cuando se autorizó la construcción de la torre, Gustave Eiffel debía emprender el proyecto con sus propios fondos y el gobierno de la ciudad le permitiría la explotación de la torre durante el término de 20 años, transcurridos los cuales la torre pasaría a formar parte del patrimonio de París. La obra fue un éxito el primer año, pero los siguientes no fueron mejores, ni siquiera iguales al primero.
El destino de la torre al cabo de 20 años parecía no ser otro que la destrucción. Fue por eso que Eiffel hizo hincapié en las grandes ventajas científicas que una construcción de este tipo podía aportar (hasta la construcción del Chrysler Building en
New York en 1930 la torre era el edificio más alto del mundo) e hizo instalar una estación meteorológica en la cima y, más adelante, una antena telegráfica, cuyos beneficios quedaron altamente comprobados a nivel militar. Así, Eiffel salvó su torre. A partir de 1921 se comenzaron a emitir programas radiales y con el tiempo llegó la televisión.

Sólo a partir de los años ’60 se convierte en un atractivo turístico con la afluencia del público internacional. De todos los monumentos de París, se puede decir que la Torre Eiffel es uno de los pocos que lejos de mantenerse inmutable al paso del tiempo evoluciona y se innova, sea con cambios en el color de la pintura, sea con efectos de iluminación.
Cuando fue abierta al público en mayo de 1889 la visitaron hasta el fin del año unos 2 millones de personas; en la actualidad son 6 millones de turistas los que la visitan anualmente. Desde su inauguración y hasta fines del 2005 se llevan contabilizados más de 220 millones de visitantes

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Fotografía de Valencia

Se trata  de una fotografía de la ciudad de Valencia en el Siglo XIX. Aparecen las Torres de Serrano que servían como puerta de entrada a la ciudad que aún no había comenzado su expansión para convertirse en la ciudad que conocemos hoy en día.

Estas torres son un gran referente de la ciudad de Valencia y uno de sus monumentos mejor conservados. De la antigua muralla, que se ordenó derribar en 1865 por orden del gobernador de la provincia Cirilo Amorós, nada más quedan estas puertas y las Torres de Quart (posteriores), algunos otros vestigios peor conservados y restos arqueológicos como la Puerta de los Judíos. En esta instantánea la muralla ya había sido derribada por lo que se deduce que esta realizada entre 1870 y 1900.

Podemos observar las vestimentas típicas de la época así como los carros que sirven de transporte de mercancías por unos caminos que aun no habían sido asfaltados.

En este siglo la fotografía aún no estaba del todo desarrollada y por ello vemos una instantánea con muy poca calidad y afectada por la luz y otros elementos que sensibilizaban el objetivo de la cámara.


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Fotografía de pareja de recién casados

En esta imagen podemos observar la vestimenta de una pareja de novios de la clase burguesa, a finales del siglo XIX. Para más información podemos destacar que esta fotografía pertenece a una pareja de novios de EE.UU.

Podemos apreciar que tanto su ropa como su actitud no parece correspondiente a un día de matrimonio, ya que ambos están bastante ausente, como si la fotografía estuviera hecha sin su voluntad. En definitiva, esta fotografía es muy distinta a las de hoy en día, porque actualmente las bodas son mucho más elegantes, originales y son motivo de alegría. En el siglo XIX se podía tratar de una boda obligada por lo que se comprende que la cara de los protagonistas no sea de absoluta felicidad.

En el siglo XIX había tendencia a creer que la fotografía inmortalizaba el alma de las personas y tal vez sea ese el motivo por los que estos recién casados parecen estar asustados ante la instantánea que se les ha tomado. Además parece que no atreven a mirar fijamente al objetivo lo que acrecientan las sospechas de ese ‘miedo’ a perder el alma por parte del matrimonio. Cabe destacar también las extrañas vestimentas que llevan, nada parecida, sobre todo en el caso de la mujer, a las que hoy en día se llevan, parece un acto mucho más vulgar.

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Fotografía de Isabel II

Fotografía de Isabel II

Una de las pocas imágenes de la Reina Isabel II de España donde se encuentra en París tras su exilio por la victoria de la Revolución conocida como “la gloriosa”. Esta ilustración es realizada en el país vecino tras su caída en la que fue destronada en San Sebastian en 1868.

Fue reina muy precoz, en concreto desde los 3 años. Y comenzó a reinar a partir de los 13 años porque la declararon mayor de edad.  Cuando Isabel alcanzó los 16 años de edad,  le concertaron un matrimonio obligado con su primo Francisco I que únicamente duro unos cuántos meses.

Por lo que respecta a la imagen, se observa a la reina Isabel II con un rostro facial poco expresivo muy próximo a la seriedad. La foto tomada en París señala una reina que murió sola en Francia y que realiza una mirada pérdida que simboliza tristeza.

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Fotografía de niña muerta

Fotografía de niña muerta

FOTOGRAFÍA DE DEFUNCIONES DE FAMILIARES:

En esta imagen aparece la niña juntos a sus muñecas y ella parece una más. Con estas fotografías se pretendía inmortalizar al familiar con su imagen usual.

La fotografía de difuntos fue una práctica muy extendida en el siglo XIX que básicamente, consistía en vestir a un cadáver recién difunto con sus ropas personales y participarlo de un último retrato grupal, con sus compañeros, familiares, amigos, o retratarlo individualmente. El motivo por el cual -en ese entonces- este tipo de imágenes no eran consideradas morbosas, puede deberse al ideal social que se gestara en la época del Romanticismo. En dicho período se tenía una visión nostálgica de los temas medievales, y se concebía la muerte con un aire mucho más sentimental, llegando algunos a verla como un privilegio.

Una familia común sumaban entre 8 y 10 hijos de los cuales solían fallecer la mitad. Tomando en cuenta ese contexto, las fotografías del niño fallecido junto a sus padres y/o hermanos estaban comprensiblemente aceptadas. En la cultura religiosa catolica de america los niños que morían sin pecado original por haber sido bautizados y sin ningún otro pecado no habían sido bautizados eran enterrados con los ojos abiertos para que pudiesen ver la gloria del señor.

Actualmente resulta casi impensable e inconcebible recurrir a esta práctica un tanto extravagante, pues los tiempos han cambiado desde el nacimiento de la fotografía post mortem y con ellos la sensibilidad de las personas.

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Fortografía Últimos Soldados de la Guerra de Cuba

Últimos soldados de la Guerra de Cuba

ULTIMOS SOLDADOS DE LA GUERRA DE CUBA:

La ilustración muestra a 5 soldados comiendo en el campamento del ejercito español en el país hispano-americano durante la guerra que se desarrolló en 1898 donde se produjo una gran derrota para el país europeo. Lo que se conoce como el “desastre de Cuba”. En la imagen se observa a los 5 individuos en posición relajada pero con una seriedad facial como motivo del momento de tensión en el que están inmersos.

Los combatientes al servicio de las fuerzas armadas españolas, se encuentran en pleno descanso en donde se dedican a comer y a relajarse para un posterior momento de tensión.

Por lo que concierne a la calidad de la imagen, se tiene que destacar una imagen evolucionada en el que se pueden concebir detalles dentro de la misma poco usuales en la época. Por ejemplo la botella de vino que está en el césped al lado de un soldado tumbado, o incluso, el loro que sale a la derecha de la fotografía en el hombro de uno de los soldados que está comiendo.

También hay que señalar el contexto de la fotografía puesto que este hecho, causó una gran convulsión en la sociedad española debido a la fuerte humillación recibida. España, pese a estos soldados, no consiguió evitar la pérdida de colonias frente a sus rivales y causó una gran depresión en la población que veía como su país no era ni siquiera, una potencia mundial como se presumía.

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Fotografías de Madrid

Madrid en el S. XIX

Fotografía de Madrid a finales del siglo XIX que corresponde a una panorámica de la Puerta de Alcalá. Al fondo, desde la confluencia de la calle Alcalá con la naciente Gran Via, en ese momento en construcción. A la izquierda se encuentra el famoso “Teatro Apolo”, que en la actualidad ya no se encuentra. A la derecha podemos observar un picador camino de la plaza de Toros.
La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX, cuando en 1816 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.
Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.
Por esos tiempos el daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, que empezaron a divulgarse entre la clase media burguesa de la Revolución industrial por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica.

La fuente de Cibeles de Madrid formó parte de un proyecto llamado el Salón del Prado, fue diseñada por el arquitecto de Ventura Rodríguez. Fue construida por los escultores Francisco Gutiérrez Arribas y Roberto de Michel. El primero de ellos talló la figura de la diosa y el carro, mientras que el segundo talló los leones.

Fue inaugurada en 1782 y era utilizada para abastecer de agua a los ciudadanos. Fue en 1895 cuando la fuente fue trasladada a la plaza en la que actualmente se ubica, en ese momento dejo de ser utilizada para el abastecimiento de agua y se convirtió en un elemento decorativo.

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